PILARES DO TRIBAL: Pilares do Tribal

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26 de outubro de 2017

Mulheres contemporâneas, uni-vos! Somos os pilares de nossa dança.

Olá, mundo tribal.

O ATS@ sendo apresentado ao Círculo de Mulheres

Retornei de um encontro fantástico neste fim de semana em São Paulo, em sua 4ª edição o Encontro Mundial de Círculo de Mulheres abriu suas portas ao ATS@. Experiência impactante, ainda estou me recuperando, por assim dizer...

Independente de nossas crenças pessoais é óbvio para todas que sentimos falta de vivermos em harmonia, correto?! Que há uma lacuna a ser preenchida em nossos corações e alma! De fato, muitas de nós encaramos a pessoa ao lado como rival, alguém a ser superada,... desconfiança eis a mola propulsora.

Sou uma pessoa naturalmente desconfiada (então busco não julgar), sei a natureza deste sentimento, veio de minha "menina ferida" (que perdeu o pai, vítima de um câncer)... passei a me observar e ver como trabalhar esse sentimento e suas repercussões em minha vida. Ainda não é um movimento natural, mas me vigio constantemente para permitir que a cura aconteça e a confiança se estabeleça, nem o código penal tem como premissa que todos são culpados, por que eu agiria instintivamente assim?

Encontrei a dança como viés de tratamento, muito caminhei neste sentido, mas há muito o que fazer então dar abrangência e tornar nosso espaço de dança um local SEGURO, de cura, reencontros, acolhimento e funcional me parece ser a solução para nossa solidão, desconfiança, processos traumáticos...tal tal tal...

Pacotes avulsos, diários e completos.

A dança cura, mas também causa traumas, depende da abordagem e do meio! Dançamos desde tempos imemoriais. Dançávamos celebrando os ciclos da vida (nascimento e morte), reverenciávamos o sagrado (nossa essência sagrada, nossos ventres), o profano.... então BUM, perdemos o caminho de migalhas deixado por nossas ancestrais e ficamos como os Zumbis daquele seriado, "Walking Dead"... O que estamos fazendo, para que e por que?

Subimos num palco com medo do JULGAMENTO, a mulher ao lado aponta o dedo, a seguinte ri da nossa barriga ou peitos reverenciando a terra (como diz graciosamente minha mãe), competimos de diversas formas e intensidades. ONDE ISTO NOS LEVA? A um dolorido processo de isolamento, má-água... e em níveis mais profundos e graves, abandonamos a dança, por fim esquecemos quem somos.

Em alguns meses ocorrerá o Festival Internacional Pilares do Tribal e independente de crenças, religião... promoveremos um encontro onde uma unica TRIBO seja vista, sentida e compartilhada, somos os PILARES(eu, você, todas nós) deste movimento de retorno a nossa essência sagrada. É fundamental esse partilhar sem receios atávicos, medos... estar ABERTA a ser acolhida. Você está?

VOCÊ ESTÁ???

VAMOS VIVENCIAR A DANÇA COMO CURA, COMO DESPIR DE AMARRAS E CONCEITOS PATRIARCAIS... ESSA É A PEGADA DO FESTIVAL PILARES DO TRIBAL. VIVER A TRIBO!!! LEMBRAR DO QUE SENTIMOS TANTA FALTA: O COLETIVO, O SEGURO, A IRMANDADE.

Wendy e Melody, duas pessoas que amo

Escolhi a Wendy para dividir conosco por "n" motivos, mas o principal e fundamental é que Ruby Star compartilha sem filtros todo seu conhecimento com quem tem a dádiva de estar com ela em sala de aula. Perfeita em suas imperfeições se apresenta descabelada, sem maquiagem e nos faz ver que NÃO TEMOS QUE SER PERFEITAS PARA SERMOS AMADAS.

Wendy me fascina de diversas formas!

Permita-se este momento de compartilhar, o Pilares aguarda você com um círculo de mulheres que buscam autoconhecimento e cura, nada mais curador que dançar sem preocupações.

Vamos fluir!

Uma só tribo e um só pulsante, com Carla Brasil - reencontro

Inscrições abertas: festivalpilares@gmail.com

Pacotes completos, diários e avulsos.

A tribo espera você!

ATS@ nas veias do pulsante.

Xeros tribais.

14 de julho de 2015

CONTAGEM REGRESSIVA 2014-2015

Idealizadora: Maria Carvalho.

Postagens diárias feitas por Carine Würch, Natália Espinosa e Maria Carvalho.

Pesquisa, Tradução e Compilação de Material feito exclusivamente

Jamila Salimpour

Masha Archer

Carolena Nericcio-Bohlmann

"Não subo no palco sozinha.

Aqui eu represento muitas.

Minhas antecessoras,

minhas matriarcas,

minhas companheiras de caminhada.

Sou UMA. Sou TODAS." (Carine Würch)

Textos:

- JAMILA: A Mãe do Tribal

- De Muitas Tribos (parte 1)

- De Muitas Tribos (parte 2)

- Uma História do Tribal Americano

- Nascimento do Bal Anat
- Timeline

10 de julho de 2015

PILARES DO TRIBAL no Tribal Cast Brasil

OUÇAM OUÇAM OUÇAM!

Tribal Cast Brasil: Tribal Cast 05 - Blogs, Blogueiras e Bloguices:

SEGUNDO EPISÓDIO DE 2015!!! Depois de muito tempo retornamos... Ufa...
Nesse episódio batemos um papo super divertido com blogueiras de Dança Tribal: Carine Würch, Natália Espinosa e Maria Badulaques.

4 de julho de 2015

Pilares do Tribal no Tribal Cast

Marcando presença

E aí sangue bom, dia frioooo...nada melhor do que uma conversinha ao pé da orelha sobre o que tu mais ama, DANÇA!!!!

Pilares é presença confirmada no próximo Tribal Cast, u-huuuuu amamos o convite para participar desse programa tri-legal (caraca, tou muito sulista hoje...deixa voltar pro meu nordeste, oxent).

Fica ligada, essa entrevista será da hoooora!!! Vamos contar como tudo começou, nossos projetos após o fim da contagem-regressiva (ipe-urra Carolena), a nova contagem, afinal amamos um tic-tac...animada, eu? Maaaaaa-giiiiiiiiiiiiiiii-naaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa!!!!!!

Sincroniza os relógios, que rufem os tambores: Pilares no Tribal Cast é de lascar!

Xeros no pulsante,

Maria Badulaques!

22 de junho de 2015

DISCURSO DE JAMILA SALIMPOUR

Speech presented by Jamila Salimpour at the

International Conference on Middle Eastern DanceOrange Coast College, Costa Mesa, CA

May 16-18, 1997by Jamila Salimpour

http://ads.bhuz.com/articles/articles.feature5.asp

Hello and welcome to you all. I am honored to be here tonight and to be a part of the first International Middle-Eastern Dance Conference.

In 60 minutes I am going to try to give you a glimpse into my journey with this dance. For those of you who already know me, you will hear my personal experience, and those of you who are just getting to know me, you will also get a look into the history of Middle-Eastern dance in America through my story. Please remember those were different times and I was struggling to create something that had never been done before, my love and passion for the dance always guiding me when there were no role models.

My basic Oriental dance training come first from my father who was in the Sicilian Navy, stationed in the Middle East in 1910. His favorite pastime when in Egypt was watching the Ghawazee dance.

Here is an excerpt from by father’s letter:

"The first time I saw an Arabian dancer it was at Alexandria Egypt in 1910 on a corner of a public square on carpet – canvas like carpet. There were 3 players – one a clarinet, a chitar – a small type and a little drum I think. The dancer was bare foot, bare arms to the shoulder; bare back down to the curve of the buttocks – there a belt holding a tight fitting indumenta ending in strips of different colors half way to the legs. She had a large necklace made out of small disks of white metal probably tin – a row white and one yellow – probably gold gilded – kept together with their chains of the same color. These disks were about the size of a dime on top – distant one another one diameter – a larger size of disks down next row and so on – 7” or 8” long – 2 small cups for brazier that would came up from a garment held up from the belt in front leaving uncovered the front of the stomach – rings on both arms and forearms to the wrist 3 or 4 up and 6 or so below to the wrist. The twistings were to the music and the onlookers would throw money on the canvas. The party would scramble and the money would quickly get covered otherwise she would get pinched for it was performed in a public square. The English were there at the time and us sailors would feast our eyes for we liked to look at that type of dancing. When in Tunis or Algiers or … or Tripoli or … more or less it was all the same."

When I was young he used to imitate them for us. In the late 40s my Egyptian landlady and I would go to the Egyptian movies every month. We saw many dancers, including Tahia Carioca and Samia Gamal. We would come home, put on Abdel Wahab and Farid Al Atrash records, and dance, trying to remember every move we'd seen. And so, from my father’s recollections, my landlady's firsthand knowledge, and from the movie’s examples, this was how I got my dance information.

I first taught Oriental Dance in the early 1950s to old 78, three-minute Cife Telli records. Not having a dance vocabulary yet, I repeated the music as I improvised the dance. My students watched and imitated me, asking questions which often I couldn’t answer. I would just perform the dance again and again until they got it. Often, I would do variations on the theme, overlaying the basic movements, causing confusion, because I couldn’t break it down. Since I had never been taught the dance, I didn’t know how to teach the dance. There were no teachers, schools, or method that existed.

From this background, I was ready at the beginning of the Arabic night-club craze, which erupted onto the scenes in the late 1950s. Whatever the catalyst, Americans were becoming curious about this dance and the music. Clubs sprouted in Hollywood. 1001 Nights on Sunset and Vine never made it. Hersheway’s, across the street from the Farmer’s Market, was short-lived. The Greek Village was the first club to open with its spontaneous weekend entertainment of dance-crazed Greek sailors. They didn’t want a belly-dancer for a long time. Then the Fez opened with an Egyptian trio featuring Siham, the cause of my marital break-up. She was the quintessential femme fatale. Her dance was indescribable. Shaker’s Oasis brought Turkish dancers from a club in Chicago.

As business was beginning to boom, Middle-Eastern dancers were being imported to the clubs and I had the chance to watch show after show of technique. The repetition of the performers enabled me to observe a variety of movements which I mentally recorded and added to my repertoire. The majority of the dancers in Los Angeles were Egyptian style. There was Zenouba and Maya Medwar, who said she was trained by Ali Reda. Everyone wanted to dance like Maya. She was something to watch but not so easy to imitate.

Jamila dancing at 12 Adler St., San Francisco 1960

I commuted to dance in a club in Fresno, where Richard Hagopian played for me. I danced at the Greek Village, and had student nights upstairs at the Fez, where I begged Lou Shelby to let me dance, teach, and hostess. While he was thinking about it I was offered a job dancing at 12 Adler in San Francisco. The money was too good to turn down so I went to dance in San Francisco and never left. Eventually I owned the Bagdad Cabaret on Broadway, hiring musicians and dancers.

It was only after I went to dance in San Francisco, where dancers were hired from different countries of the Middle East, that I saw a variety of styles. We worked in the same club and imitated each other’s specialties, of course, not in the same show, and usually only after they’d left town. Turkish Aisha wowed the audience with her full-body vibrations. During her show I would run to the dressing room to analyze her pivots. Soraya from Morocco danced almost always in a Beledi dress, balancing a pot on her head. Fatima Akef danced on water glasses with “Laura,” her parrot, perched on her shoulder. Nargis did the most incredible belly rolls and her entire finale consisted of continuous choo-choos. Fatima Ali did a 4/4 shimmy on the balls of her feet. I was told by Mohammed El Scali that she was an Ouled Nail. And so it went, show after show, night after night, year after year.

Since the musicians were mostly amateurs, and from a variety of Arab countries, the music was haphazard. Rarely did they know the same piece, often going in different directions, and they practiced during the show. Rehearsals were unheard of. Musicians were in short supply so we couldn’t complain. You could replace a dancer easier than a musician.

All of the musicals we danced to were in 4/4 rhythm with a waha-da-oh-noz for taqseem. Musicals like Aziza, with breaks and changes in rhythm, were then only played between shows.

As I worked with and watched dancer after dancer, I would try to describe to my dancer friends some of the things I had seen that were different. When Tabora Najim come to town, it was the first time I had seen what I named the Turkish Drop and stomach flutter. Her veil work was unique and choreographed. She ended all her shows with an exciting Kashlama. Often a dancer would do a step and then do variations on a theme. If a movement was similar or related in some form, I categorized it as a family. I mentally catalogued as much as I could remember and included it in my format.

Jamila at the Bagdad Cafe, 1962

In Los Angeles, where Arabs made up a large part of the audience, the dance was short and in three parts: entrance, taqseem, and finale. Arabs came to hear the music and singer. In San Francisco, where you had a predominately American audience, they came to see the dancers. They didn’t understand Arabic so the songs meant nothing to them. A girl onstage brought the customers in, the owners would say, so now it was three dancers back-to-back, three shows a night.

As time went on my specialty was to become a finger cymbal/shimmy solo which I performed without music, using my coin girdle as a percussion instrument, interspersing shimmy rhythms with finger cymbal variations. I mentally notated 4/4 shimmy, choo-choo, and ¾ shimmy while practicing my coin solo.

1965 was a turning point in my career. While pregnant with Suhaila I began to teach full time. My performing career came to a complete halt the day I got married to Suhaila’s father. I was told that both my legs would be broken if I put one foot on the stage. I turned one of the rooms in our apartment into a studio and costume making salon. Not only was I teaching the dance but designing and making costumes as well. I remember having taught Bob Mackie’s wife to dance when he was a dishwasher in my restaurant, The Nine Muses. Bob and I had many creative adventures fixing her up for photo sessions and performances. We bought our first piece of assuit together on Olivera Street, which he made into a dress for me. We had no Madame Abla back then.

Suhaila was born severely pigeon-toed, a condition inherited from her father’s family. When she began to walk she would trip over her feet. Children were very cruel and would make fun of her. I tried everything, including metal rods with special shoes. Nothing seemed to work. As a last resort I put her in ballet classes three times per week. The first position - turnout - exercises corrected the defect after a few years. Little did I know it was a blessing in disguise. Not only did her posture improve, but it gave Suhaila a body line soon to become characteristic in the new style of Middle Eastern dance.

As Suhaila was growing up, so was the age of video. Now for the price of a video rental you could transport yourself to the hot night-clubs and hotels in the Middle East, seeing firsthand, the latest trends and movements. Americans were now able to tap into the Middle East and not just do our version or interpretation of the dance. This was a turning point in the Salimpour School. When Suhaila was 14 years old, teaching on her own with her trained body line, she combined her traditional training in my method with the new direction from Egypt.

I began sponsoring dancers from Egypt, Morocco, Lebanon, Turkey and other countries-Ahmed Jarjour from Lebanon, Lala Hakim, Faten Salama, Shawki Naim, and Ahmed Hussein from Egypt, Bora Oskuk from Turkey, and Hassan Wakrim from Morocco who taught Shikatt. Some of them were lead dancers with folkloric troupes. It was very important for me to have all styles available to my students. The dance was growing and so was our school. Although it wasn’t my specialty, I made sure to have all styles explored. One week I would have a Guedra workshop, the next week Suhaila would teach the choreography she learned from Nadia Gamal.

Not only was the dance changing, but the music as well. It was no longer simply 4/4 but complicated musical compositions. A new wave of musicians from the Middle East was coming to America, and they brought the new music with them; Mahrajan, Mashal, Sit il Hassan, and many more dramatic opening musicals for a dancer’s show. Suhaila and I began to collaborate in a series of routines enabling the dancer to grow with the times. Once again my format took a turn. I was able to mold a blend of old style and new through my daughter’s body. We were always growing an feeling a sense of accomplishment.

While Suhaila was assisting me with Oriental dance she was also studying ballet and jazz, and I watched every class. This enabled us to understand the direction of the dance interpretations of the new musical compositions. We choreographed to Mohamed Abdel Wahab, Abboud Abdel Al, Ahmad Fouad Hassa, and Farouk Slame, to name a few.

I had a large amount of information accumulated and so I published a manual in 1978. I also catalogued finger cymbal patterns, releasing an audio tape with 24 patters and booklet with the history and notation of 47 patterns. I also invented loop tapes to teach Arabic dance.

The dance began changing in America when Egyptian dancers visited, bringing their own orchestras. Sohair Zeki and Nagwa Fouad brought musicians who played complicated musicals which we had never heard before or danced to; Then we choreographed our first piece Joumana.

As videos were being made available to us, featuring Oriental dance interpretations of modern musical compositions, the Reda Troupe, Sohair Zedi, Nahed Sabri, Hanan, Mona El Said, the dance in Egypt was evolving and the Russian presence was felt with the inclusion of ballet as a prerequisite to dance in the national folkloric companies. Members of these companies began choreographing for well-known cabaret dancers.

The language that I developed enabled us to write down their choreography and teach it. From the ranks of these dancers have come some of the favorite performers and choreographers of our time. Many performers, formerly troupe members, were now doing solo cabaret. Others are choreographers we have heard of: Mohammed Khalil, Raquia Hassan, and Hassan Afifi, to name a few.

As I catalogued each step that I had seen during my years on the stage, I began to categorize the movements performed by dancers from different areas of the Middle East, all of whom were trying to interpret Egyptian dance but had dance accents from their own countries. Fatima Ali from Algeria had a unique 4/4 shimmy which she executed on the balls of her feet. I teach that now as an Algerian shimmy. What I named the Turkish drop I credit to Taboura Najim. Basic Egyptian, a step pivot walk, was like a comma between steps for most dancers. The Arabic family with transitions One, Two and Three—variations on a one-foot shuffle were to be seen in almost all of the old-time Arab movies. Maya Medwar would do a figure eight from top to bottom as if being stuck between two walls. Maya has become a favorite step of dancers all over the world. Samiha was the opening step of the owner of the Club Ibis in New York. It was a horizontal ¾ shimmy with a hesitation moving from left to right. Zenouba was a zig-zag step which was done the reverse direction of running choo-choo.

My next challenge was to put each step in order. It was the 60s and 70s and every teenager wanted to learn to belly-dance. It was important to me to structure a foundation for each dancer to be able to go from step one and progress. I didn’t want them to imitate my movements so much as I wanted to be able to put a name to a step, break it down, and when I wanted them to repeat that movement I would just call out the name.

A former student, Debbie Goldman, wrote to me from Israel:

“But you should know that my basic teaching method, my ABC technique is based on your method. Some of the movements I have obviously translated name in Hebrew. All my students, and generally dancers in Israel know ¾ shimmy, and they better know the difference between an up one and a down one! Maya has become a household word. It’s a real popular one! Sometimes I have girls call me saying how they can’t get it-and then I tell them why it’s called Maya, Basic Egyptian, 5-step, the Arabic family, etc…. The emphasis that you place on correct posture, in lengthening the lower spine and holding in the stomach muscles……We have two trends at the moment. One: is the studios and the serious students who are studying and improving and some start to perform, and two is the profession dancers and groups of girls from Eastern backgrounds who think because they are Moroccan or Iraqi or whatever, they don’t have anything to learn. So they buy and costume and start performing. In ethnic dance, there has always been a division between the folk dance of the people, and the more sophisticated professional style, and that the professional dancer has always been highly trained.”

But, I want to backtrack now to the year 1967. Many of my students were disappearing from my Saturday classes. I was told that they were attending an event called the Renaissance Pleasure Faire, where, if you came in costume you got in free. In 1967 performances were spontaneous and whoever captured the stage could hold it for as long as they wished. People could and were performing along the road, gathering audiences, and causing congestion. The program director complained to me about all my students coming in costume, and performing all over the fairgrounds. She said it had to be controlled and gave the responsibility to me. We would be allowed three one-half hour performances a day and that would be it! We couldn’t go over or we would be out! I knew the cabaret format would not have been suitable for the Fair and that is when my Ringling Brothers Circus background came to the rescue.

I patterned my dance troupe Bal-Anat, after a circus-like variety show which someone might see at an Arabian festival or a souk in the Middle East. It was a format with a look that was eventually imitated all over the United States, whose practitioners sometimes knew, but more often did not know, where it cam from. Indeed, many people thought it was the “real thing” when in fact it was half real and half hokum. Our leaflet informed the audience that we came from many tribes. Perhaps that’s where the expression “tribal dancing” originated.

I created a variety show where each number was no more than three to five minutes long and represented a cross-section of old styles from the Middle East. We had two magicians, Gilli from Egypt, and Hassan from Morocco. I featured snake dancers, water glass dancing routines, and pot dances. Years before, Danny Reserva had given me a print by Gerome of the Sword Dancer and , copying the painting, in 1971, I had a student dance with a real Turkish sabre, balancing it on her head. For her finale she did a backbend and plunged the sword into the wooden stage where it stood upright as she retreated to make room for the next dance. That was, I believe, the first time the sword dance was seen in America. Suhaila at age 3 opened the show. We had a Ouled Nail dancer from Algeria, Kashlama dancers from Turkey, a Mother Goddess mask dancer, male tray dancers and the list goes on and on. We even had a Greek math professor from UC Berkeley who knew how to pick a table up with his teeth, all the while balancing Suhaila on top of it. The crowd went wild.

Another first for me was the problem of music. Since the Faire would not allow recorded or amplified accompaniment of any kind, I had to search for an alternative. All the professional musicians I had worked with were not interested in getting up early, driving out to the boon-docks playing in the dust and worst of all not being heard or paid a decent wage. Only Louis Habib, fulltime barber and sometime oudist, volunteered to play for us “just for fun”. It wasn’t long before it wasn’t fun for him anymore. The oud was a delicate instrument which was easily over powered by drums. Not so with Mizmars. After teaching to mizmar taped music for a few years, I finally managed to collect a few of them, and began to ask craftsmen at the fair if they’d like to blow into the things. We always had craftsmen at the fair coming up to us asking if they could “sit in”. I wanted some structure but it was becoming hard to control. The first good, almost-Middle-Eastern sounding-mizmar player we got was craftsman/musician Ernie Fishbach, who dabbled in Indian music and had a Middle Eastern flair. He became the backbone of our Middle Eastern orchestra teaching enthusiasts who were willing to puff up their cheek for 30 minutes, three times a day. The ear-piercing hypnotic shrieks of several mizmars, with tabl belledi and multiple darboukas accompanying the dancers, became for many of our fans the sound of the fair.

Tradition is not static. Every generation draws from the past. Evolving from the salon and street performer, to the night-club, and concert hall, whether its Belledi, Cabaret, or Folklore, the Oriental dance will endure.

I have heard a couple of new expressions since my return to Berkeley. They are East Coast Tribal, West Coast Tribal, and the Ethnic Police, an expression I find very amusing. I don’t object to anything as long as it is entertaining.

I am pleased that you honor me for my contribution to the dance and I am always happy when my method is shared. As you thank me for my format I want to thank all the dancers that have inspired me.

19 de junho de 2015

HISTÓRIA DA DANÇA DO VENTRE NOS EUA I (Jamila Salimpour)

Texto postado no Tribe Net, por Andre Khoury, pai de Isabella Salimpour (neta de Jamila Salimpour)

http://balanat.tribe.net/thread/acc57811-42f2-4066-9937-8ecb77cb90ea

Para falar sobre o movimento de dança do ventre em São Francisco, tenho que descrever a cena que estava acontecendo nos Estados Unidos e em Los Angeles, que, creio eu, precedeu os clubes profissionais e shows de cabaré que, eventualmente, tiveram lugar em São Francisco.

A partir do final dos anos 1940, até o final dos anos 1950, a música do Oriente Médio e sua dança eram praticamente desconhecidos para os norte-americanos. No entanto, ela floresceu em pequenos bolsões onde os imigrantes representantes de diferentes países do mundo árabe, que se reúnem para celebrar os costumes sociais ou religiosas. Suas nacionalidades eram um elo comum, e, sempre que se encontravam, música e dança eram incluídos em suas festividades.

O que os EUA sabia sobre música do Oriente Médio e sua dança era através das produções musicais distorcidas de Hollywood. Yvonne De Carlo e Rita Hayworth foram destaque em vários blockbusters bíblicos, coreografados por dançarinos de Hollywood do jazz moderno, que interpretaram dança do Oriente Médio em espasmos convulsivos que eram doloroso de assistir. Depois de ver Rita Hayworth em Salomé, eu pensei: "Seria o único que sabia de filmes egípcios estavam sendo mostrado mensalmente em Los Angeles? Ou será que ninguém estava interessado em autenticidade?"

No final dos anos 1940, minha família egípcia conseguiu sobreviver nos EUA, mas eles não se misturam com os americanos. Eles trabalharam entre os americanos e quando chegavam em casa, sua língua prncipal era armênio, (eram armênios do Egito), a segunda era turco, (quando eles não queriam que seus filhos soubessem o que eles estavam dizendo) e a terceira o árabe, quando falavam com amigos do Egito. A casa estava cheia de música árabe: Mohammed Abdel Wahab, Om Kalthoum e similares foram tocadas repetidamente em nos idos de 78.

Uma vez por mês, assistíamos os filmes egípcios em La Tosca Theater. Discos das músicas dos filmes eram vendidos no lobby. Quando chegávamos em casa , colocávamos os discos e tentávamos imitar os dançarinos que tínhamos visto nos filmes. Aprendi sozinha a tocar snujs. Minha senhoria Anoosh, fez um traje e eu estava pronta para dançar sempre que a ocasião aparecia. Eu tinha cerca de 21 anos de idade na época.

No final da década de 1940, antes que houvesse clubes do Oriente Médio em Los Angeles, eu fiz algumas apresentações, nos poucos locais que apresentavam Orientale Danse, como era então chamado pelos nativos. Uma vez por ano eu dançava na festa de Ano Novo Turco, mensalmente dançava no Armenian Old Age Home, para o AGBU, Armenian Great Benevolent Group, e em festas particulares e similares. Não haviam músicos profissionais de verdade na cidade. Grupos se reuniram porque a música era o seu passatempo e não sua profissão. E eram estes meus músicos que consistiam a Hanna Brothers Orchestra, mecânicos de dia, e os músicos por escolha, sempre que uma ocasião os chamava para tocarem. Se eles precisavam de um músico extra no Oud, Kanoon ou Derbake, eles sabiam que algum amador gostaria de participar. Eles não eram Abdel Wahab, mas eles tinham alma.

Por volta de 1947 e pelos os próximos dez anos, qualquer notícia sobre música e dança do Oriente Médio vinha do Oriente Médio. Todos os domingos, uma estação de rádio de Fresno, transmitia um programa de notícias e música que abriu com músicas familiares que todos nós cantarolávamos.

Harout's Har Omar, um restaurante armênio na Rua Ivar e Sunset Boulevard, contava com os irmãos Hurach e Florence Yacoubian no violino e piano.

Uma vez por semana em KFAC, Mr. Yegeshay Harout apresentaria uma hora e meia de música da Armênia e do Oriente Médio, que incluíam tanto música popular e clássica. O locutor era conhecido por sua voz dramática e o programa começaria com: "Debaixo de um arbusto, um pão e uma garrafa de vinho e os meus poemas: tudo o que preciso. E tu, que ao meu lado cantas no deserto, e o deserto se torna, então, no paraíso." Outras citações de Omar Khayyam embelezavam o programa que cada armênio ouviria, estando dentro do raio do transmissor de KFAC.

Zetrac, que possuía o Café Turco na 6th Street iria entrar em sintonia com Harout, assim como Zabelle, que costurava para celebridades na comunidade armênia e assim como Annoush e sua família, inclusive eu. E assim foi com meses de antecedência de sua chegada nos Estados Unidos que a comunidade Oriente Médio era ouvir do futuro aparecimento de "Rosemarie", dançarina oriental, cantora em seis línguas, vinda do Egito, acompanhada pela conhecida orquestra Hanna Brothersat, no Wilshire Ebell Theatre.

Finalmente, fomos vê-la ao vivo, dançando ao som de música ao vivo. Compramos nossos bilhetes com suficiente antecedência, para que não houvesse dúvida que nossos lugares foram reservados.

CONTINUA...

Tradução livre por Carine Würch

Fonte - http://balanat.tribe.net/thread/acc57811-42f2-4066-9937-8ecb77cb90ea

18 de junho de 2015

A HISTÓRIA DA DANÇA DO VENTRE NOS ESTADOS UNIDOS

Uma declaração pessoal de Jamila Salimpour por Jamila Salimpour

http://ads.bhuz.com/articles/articles-JamilaSalimpour2.asp

O primeiro clube de sucesso a abrir em Los Angeles, que tinha um toque oriental, foi a Greek Village na Hollywood Boulevard. Foi por volta do início dos anos 1950, uma época em que atrizes italianas dominavam a tela do cinema americano... Sylvia Mangano, Anna Magnani, Gina Lollobrigida... decote generoso transbordando sutiãs acolchoados. Todas usavam blusas com os ombros de fora, o tanto-quanto a nudez era permitida naqueles dias.

Mostrar o umbigo era considerado "arriscado" e ainda um não-não.

Então, quando meus músicos foram contratados pela Greek Village, e eles perguntaram aos proprietários se eu poderia me juntar a eles, a resposta foi não. Eles não queriam uma dançarina em um traje curto!

Os donos do restaurante tinham uma filha que era um belo atrativo. Eu acho que eles eram gregos da Costa Leste, ouvindo muito música turca. A esposa era a anfitriã, e cantava em grego, turco e um pouco de árabe. A filha, que parecia com Jane Russell, usavam blusas reveladoras de ombros de fora. Ela tocava atabaque, e o comprimento da blusa era um pouco abaixo do busto.

Em uma época de inocência, era uma grande atração e tema de conversa entre muitos dos clientes, predominantemente do sexo masculino. Assim, eu ia ao Greek Village como um cliente, ocasionalmente levantando-me para dançar por insistência dos meus músicos, mas sem ainda nenhuma oferta de emprego.

Originalmente, o Greek Village foi dividido em duas partes, a parte traseira era fechada quando o negócio ainda era novo. Como os negócios aumentaram, a divisória ia sendo movida cada vez mais para trás, até que toda a loja mostrou-se como um grande retângulo. A mensagem se espalhou pelos marinheiros gregos sobre o Greek Village, e quando seus navios chegavam ao porto, eram apresentados com algumas das melhores dança grega que já vi. No início, o palco era de centro-frente, mas como a nova audiência de clientes-artistas cresceu, o palco foi transferido para o meio do retângulo no lado da mão direita.

Uma lâmpada nua pendurada diretamente sobre o palco e tornou-se um concurso semanal internacional para ver qual dançarina poderia chutar alto o suficiente para bater a lâmpada. A dança de exibição favorita era Zabek. O Ouzo (bebida grega) fluia livremente, como uma águia, um após o outro abria as asas na dança ritual. Homens gregos gostam de dançar. De vez em quando uma mulher se levantar e fazer um recatado Cifte Telli*. Ainda nenhuma oferta de emprego para mim. Os negócios, no entanto, estava começando a crescer.

* O Tsifteteli (em grego: τσιφτετέλι; turco: çiftetelli), é um ritmo e dança da Anatólia e dos Balcãs com um padrão rítmico de 2/4 [1] Em turco, a palavra significa "dupla de cordas", tirada do estilo de jogo de violino. que é praticada neste tipo de música. Há sugestões de que a dança já existia na Grécia antiga, conhecida como a dança de Aristófanes Cordax. [2] No entanto, é muito comum na Grécia e na Turquia, mas também em toda a região antigo Império Otomano.

Meus músicos foram substituídos por músicos profissionais importados diretamente da Grécia. O primeiro contingente incluiu a escandalosa Betty Daskalakis, cantora, sedutora, e designer de vestidos estranhos, com fendas em todos os lugares errados, os quais geraram muita fofoca entre as "pessoas morais", despertando a curiosidade de toda Los Angeles. Assim como na Feira Mundial de Chicago, em 1893, quando os dançarinos, ofenderam a sensibilidade do que era considerado a "moral", os clientes do Greek Village, vinham em grande número para ver o ofensor em primeira mão, a fim de passar de forma mais eficaz seu julgamento. A caixa registadora mostrava os lucros, os manifestantes ficavam a maior parte da noite para assistir Betty, e verificar se a fofoca era realmente verdadeira. Ela nunca os decepcionou.

Jamila, dancer, Adel Sirhan, oud player, Lemmy Pasha, Kanoun, Yousef, violin - 12 Adler Place

Tradução Livre - Carine Würch

Texto original - http://ads.bhuz.com/articles/articles-JamilaSalimpour2.asp

http://ads.bhuz.com/articles/articles-JamilaSalimpour3.asp

Visite e curta: Nossa Tribo & Nossa Dança

7 de abril de 2015

PILARES ENTREVISTA- TERRI ALLRED - PARTE II

08 por Maria Badulaques - SEMANA 45

Entrevista com Terri, parte II

Dando sequência a nossa conversa com esta pessoa incrível, vamos continuar o papinho.

Fiquei pensando, refletindo... sobre o que lemos ontem e para ressoa o seguinte: ...a honra de estudar com a pessoa que idealizou o ATS... nossa, é fantástico.

Sentindo o "peso" dos dias terminando, Carolena chegando e o tempo que tive para estudar, que na minha visão foi pouco...precisava de 3 anos para me sentir segura para esse curso, mas vamo que vamo.

Boa leitura!

Pilares - O ATS começou como uma dança para as mulheres, só que mais e mais homens estão sendo atraídos. Eles estão aprendendo, ensinando e realizando ATS! O que você pensa sobre isso?

Os princípios básicos da ATS® estão na comunidade, respeito e colaboração. Qualquer um é bem-vindo a ser uma parte disso. Para mim, não é um macho ou fêmea, mas sim um princípio humano de amor e aceitação. ATS® é movimento, figurino e estética e são acessíveis a homens e mulheres. Eu sou uma feminista forte, por isso, saúdo a irmã e o irmão Studios!

Pilares - Quando ouço os snujs é como um convite, é como se ouvisse "junte-se a nós". Que dicas você daria para os iniciantes na técnica de tocar snujs ao dançar?

Aprendi os snujs no contexto da dança egípcia. Os padrões e ritmos são muito mais complexos do que no ATS®. Quando comecei a estudar ATS®, eu não podia acreditar o quão simples os ritmos eram! No entanto, eu sei que estou em minoria. Muitas pessoas se sentem intimidados por tocar um instrumento musical e dança ao mesmo tempo. Por esta razão, eles evitam a fazê-lo. A maior dica que posso dar é para começar a jogar seus snujs em sala de aula em todas as oportunidades (mesmo que você não soe muito bem!). Eu sugiro começar com um maravilhoso conjunto de snujs madeira de FCBD® se você é auto-consciente, porque eles não fazem tanto barulho. Além disso, quando eu estava aprendendo, eu só pratiquei o padrão básico, enquanto eu estava parado em casa até que eu não ter que pensar mais nisso. Então, eu adicionei andar enquanto tocava. Então eu adicionei os movimentos do braço. Finalmente, o pé e os movimentos do braço juntos. O próximo passo foi adicionar música e tocar ao ritmo da música. Eu me gravei e percebi que não estava fazendo tão bem como eu pensava! Em última análise, eu era capaz de dançar e tocar porque eu tinha praticado tanto em casa. Minha família queria me pedir para sair, mas ele realmente fez uma diferença enorme.

Comentários: Snujs de madeira, super recomendo...são mais leves e os vizinhos não farão abaixo-assinado pra sua retirada forçada, mas se o fizerem, me chama (advogada e dançarina, t entendoooo!!!!). Ter snujs de qualidade outra sugestão, 60dinheiros que gastar num snuj porcaria são 60dinheiros mais longe de obter um bom par de snujs, eles fazem tooooda diferença. Se vai dançar ATS já compra um no tamanho padrão para o estilo, que é maior do que os do bellydance e já se acostuma como peso...os do FAT são excelentes, os de Jamila são enormeeeeees e leves, mas pelo tamanho tem que re-aprender a tocar. Affffff

Pilares -Nos os vídeos do Homecoming, é possível ver a alegria em compartilhar esses momentos no rosto de todos, no entanto, deve ser intimidante dançar para um público de tantas mulheres incríveis que têm técnica de dança perfeita. Como lidar com essa pressão?

Seria interessante conversar com outros dançarinos sobre isto também, mas eu realmente me senti mais vivo e na "zona" de performance no HomeComing fiz o que eu normalmente faço quando realiza a um público que não é da dança. Antes dos shows, houve muitas oportunidades de conexão e interação. Eu estava intimidada antes de chegar no evento, mas uma vez que eu estava lá e comecei a conhecer alguns dos meus heróis de dança e conhece outros dançarinos, não me senti tão nervosa. É difícil explicar, mas eu senti tanto amor e apoio quando eu estava no palco, era poderoso. Eu olhei para a platéia e vi rostos dos dançarinos que eu conhecia bem e que eu tinha acabado de conhecer e todas as suas expressões disse a mesma coisa. "Estamos aqui neste espaço para apoiá-la e honrar o seu presente." Eu realmente senti isso. Eu sou muito sensível à energia, e posso perceber a energia negativa e preconceituosa, mesmo em uma grande multidão. Eu não senti nada disso. Eu só senti apoio. Foi uma honra incrível e uma experiência de pico para mim. Então, eu acho que a minha sugestão para aqueles que pretendem dançar no próximo ano, é confiar em si mesmo e em seus irmãos e irmãs em dança. Eles não vão deixar você para baixo.

Comentários: Arrepiei até o fi-o-fóóóó´da alma, talvez a minha ânsia sobre o lance da técnica e essência esteja respondida aí. Afinal, tudo é conexão...o público precisa estar na mesma sintonia e vibração, senão é dançar com a alma pra uma plateia em colérica contramão, não rola!

Pilares - Aqui no Brasil temos um grande acesso a produtos artesanais, mas não é tão fácil para nós encontrarmos cintos Kuchi e tal ... você acha que é possível adaptar o Dress Code usando esses produtos locais?

Ah, sim, eu acho que é uma bela ideia e realmente essencial para fazer a dança do seu próprio país. Enquanto você fica dentro da estética geral ATS®, personalização do seu figurino com artesanato local permitirá que você expresse a voz única e valiosa de sua própria cultura. Eu mal posso esperar para ver.

Comentários: CARREEEEEEEEEEEEEEEGA NOS BADULAQUES!!!!!! TOU EM CASA!!!

Pilares - O que é indispensável para uma sólida formação?

Eu acho que o aspecto mais importante de manter uma formação sólida é estar conectado com os outros dançarinos. Se você não está ciente dos dançarinos em torno de você, então é realmente fácil perder a formação. Ele é ótimo para se perder na emoção de desempenho, mas esta dança é, em última análise, uma dança social onde cada um de nós deve estar ciente de que nos rodeiam.

VERSÃO EM INGLÊS

Continuing our conversation with this incredible person, we will continue the chat. I was thinking, reflecting ... on what we read yesterday and resonates the following: ... the honor of studying with the person who designed the ATS .... is fantastic. Feeling the "weight" of the day ending, Carolena coming and the time I had to study, which in my view was just ... needed three years to feel safe for this course.

Happy reading!

Even though ATS started as a dance for women, more and more men are being drawn to it. They're learning, teaching, performing and rocking ATS! What do you think about male ATS dancers? The basic principles of ATS® are community, respect and collaboration. Anyone is welcome to be a part of that. For me, it isn’t a male or female thing, but rather a human principle of love and acceptance. ATS® movements, costuming and aesthetic are accessible to men and women. I am a strong feminist and believe language creates reality, so I welcome the Sister and Brother Studios!

When I hear zilling it's like an invitation, it's like it says "join us". What tips would you give to begginers on the technique of playing zills while dancing? I learned to zill in the context of Egyptian dance. The patterns and rhythms are much more complex than in ATS®. When I started studying ATS®, I couldn’t believe how simple the rhythms were! However, I know that I am in the minority. Many people are intimidated by playing a musical instrument and dancing at the same time. For this reason, they avoid doing it. The biggest tip I can offer is to begin playing your zills in class at every opportunity (even if you don’t sound very good!). I suggest getting a wonderful set of wooden zills from FCBD® if you are self-conscious because they don’t make as much noise. In addition, when I was learning, I just practiced the basic pattern while I was standing still at home until I didn’t have to think about it any more. Then, I added walking while zilling. Then I added arm movements. Finally, walking and arm movements together. The next step was to add music and play to the rhythm of the music. I video taped myself and realized that I wasn’t doing as well as I had thought! Ultimately, I was able to dance and zill because I had practiced so much at home. My family wanted to ask me to leave, but it really made a huge difference.

In all of the HomeComing videos it's possible to see the joy in sharing these moments on everyone's face, nevertheless it must be intimidating to dance for an audience of so many amazing women who have perfect dance technique. How can one deal with such pressure? It would be interesting to talk to other dancers about this too, but I actually felt more alive and in the “zone” performing at Homecoming that I normally do when performing to a non-dance audience. Prior to the shows, there had been many opportunities for connection and interaction. I was intimidated before I arrived at the event, but once I was there and began to get to know some of my dance heroes and meet other dancers, I didn’t feel nearly as nervous. It is hard to explain, but I felt so much love and support when I was up on that stage, it was powerful and truly overwhelming. I am actually tearing up just thinking about it. I looked into the audience and saw faces of dancers who I knew well and who I had just met and their expressions all said the same thing. “We are here in this space to support you and honor your gift.” I truly felt that. I am very sensitive to energy, and can perceive negative and judgmental energy, even in a large crowd. I just didn’t feel any of it. I only felt support. It was an incredible honor and a peak experience for me. So, I guess my suggestion for those who plan to dance next year, is to trust in yourself and in your sisters and brothers in dance. They won’t let you down.

Here in Brazil we have great access to local handicrafted products, but it's not as easy for us to find kuchi belts and such... do you think it's ok for us to adapt the Dress Code using those local handicrafted products? Oh yes, I think it is a beautiful idea and really essential to making the dance your own. As long as you stay within the overall ATS® aesthetic, personalizing your costuming with local handicrafts will allow you to express the unique and valuable voice of your own culture. I can’t wait to see

What is indispesable for a solid formation? I think the most important aspect of keeping formations solid is to be connected with the other dancers. If you aren’t aware of the dancers around you, then it is really easy to lose formation. It is great to get lost in the thrill of performance, but this dance is ultimately, a social dance where each of us must be aware of those around us.

6 de abril de 2015

PILARES ENTREVISTA - TERRI ALLRED - PARTE I

09 por Maria Badulaques - SEMANA 45

PILARES ENTREVISTA: Terri Allred FCBD criadora do ATS Homecoming
Idealizado por Maria Badulauqes (Tradução Natália Espinosa)

Carolena, Terri e sua irmã gêmea Lisa.

E aí sangue boooooom!!!!!! Estou na ansiedade da contagem regressiva, e você?

Como prometido, hoje vamos conhecer mais sobre Terri Allred, Sister Studio, criadora e anfitriã do ATS Homecoming e que nos trará muito conhecimento sobre o evento de 2016, assim como dicas fundamentais para quem está contando as horas pra chegada de Carolena. Agora, se seu caso é só estudar o ATS e querer saber mais sobre esse estilo, essa entrevista também é pra você.

Vamos dividir em 3 partes ok, o material tá ótimo e acredito que deva ser degustado!!! Terri já começa dizendo como você deve preparar sua aula, não perde!!!

Vamos a Terri...

"Comecei a dançar quando tinha idade suficiente para andar, eu estudei balé, jazz, moderno e line dance. A dança foi uma grande parte da minha vida até me formar na faculdade. Naquele momento, não era tão fácil encontrar aulas de dança para adultos. Doze anos atrás eu sofri um acidente infeliz. Eu estava em um jogo de futebol profissional quando uma bola me atingiu na cabeça a cerca de 60 Km/h. Fui arremessada para as arquibancadas e sofri uma lesão cerebral traumática leve. O resultado da minha lesão cerebral foi tontura, problemas de equilíbrio, enxaquecas, dores no pescoço e nas costas e dificuldade de concentração. Mesmo a fisioterapia mais básica foi difícil para mim, por isso a minha fisioterapeuta sugeriu que eu tentasse uma aula de dança. Ela acreditava que a música e as interações sociais iriam me distrair do desconforto e da tontura de girar a cabeça e os olhos. Eu encontrei uma aula de dança do ventre em um centro comunitário local, que era perto de minha casa. No início, eu só conseguia dançar por volta de 5 a 10 minutos sem ter que ir sentar no fundo da sala, mas eu continuei tentando. Com o tempo eu consegui dançar por uma hora inteira e, em seguida, por várias aulas.

Eu não conseguia trabalhar ainda devido a limitações no funcionamento causadas pela lesão na cabeça, por isso eu mergulhei na dança do ventre. Estudei todos os estilos que eu consegui encontrar incluindo egípcio, turco, libanês, persa, folclórico, Tribal Fusion e Estilo Tribal Americano (American Tribal Style®). Também estudei dança da Polinésia, Hula, dança indiana e Bollywood. Finalmente, depois de dançar profissionalmente com a dança do ventre estilo egípcio, eu decidi me mudar exclusivamente para o American Tribal Style. Eu adoro o figurino, a natureza de improvisação e a comunidade.

Eu abri meu próprio estúdio de dança em Rochester, MN, EUA cerca de 6 anos atrás, onde eu ensino e me apresento. Há quase dois anos comecei a trabalhar na FatChanceBellyDance, Inc. como consultora de negócios para a Carolena Nericcio-Bohlman. Nessa ocupação, tenho ajudado a criar e implementar novos programas para Sister Studios, incluindo Educação Continuada para Sister Studios e a Formação de Professores Avançados. Eu também criei e tive o prazer de ser a anfitriã do ATS® Homecoming. Além de consultoria sobre a dança e projetos de negócios relacionados, também estou ajudando a lançar a nova ATS® Magazine, uma revista sobre ATS® que será publicada em maio deste ano." (Terri)

Lisa, Kajira and Terri

Agora que você já sabe um pouco mais sobre a Sister Studio, Terri, vamos ver o que ela reservou para nós:

Pilares - Estamos a poucos dias de distância da Carolena e Megha chegada ao Brasil, a emoção toma conta e assim que faz o sentido de responsabilidade. 43 dançarinos estão tomando TT e aplicar para o status de Irmã Estúdio depois. O que você diria esses dançarinos? Qualquer pedaço de aconselhamento? O Teacher Training é uma oportunidade tão única e especial. Com que frequência um dançarino consegue estudar com o criador e designer criativo de todo um movimento na dança? Para obter o máximo dessa experiência, eu sugiro estudar os movimentos de ATS® com antecedência. Você conseguirá aproveitar essa experiência ao máximo se estiver refinando aqueles movimentos que você já sabe ao invés de aprender movimentos novos. Já que cada participante vai ensinar diversos movimentos aos outros, eu também sugiro que vocês pratiquem ensinar esses movimentos a colegas de dança caso nunca tenham ensinado antes. Carolena e Megha vão pedir que um formato específico de ensino seja seguido e ajuda se você já ensaiou, dessa forma, você vai ficar mais tranquilo. Antes de fazer o Teacher Training, eu me juntei a um grupo de mulheres e nós praticamos dar aula e aprender uma com a outra.

Só uma dica, o format consiste em: 1. Demonstrar o movimento (frente e costas se não houver espelho) 2. Descrever como fazer o movimento a partir do que os pés fazem, então passando pro corpo, braços e cabeça; 3. Conduzir uma prática (drill) do movimento 4. Pedir pra turma continuar a praticar o movimento (e andar pela sala fazendo correções e dando feedback)

Fácil!

Comentários: PRONTO SUA AULA DO TT TÁ NO PAPO!!!! Eba...

Pilares - O ATS mudou minha vida. Desde a primeira vez que eu vi as formações, os figurinos, o fato de que não há apenas uma estrela, mas uma constelação de dançarinos, que é o que define o meu amor por esta forma de dança. O que você acha que mais importa nesta dança: aprender a técnica ou a dança do coração, desconsiderando técnica? Essa é uma ótima pergunta. A técnica é a base, mas a paixão dá vida à dança. Você precisa da técnica de base para ser um dançarino, mas a paixão faz o intérprete.

Comentários: é bem por aí... sem técnica não se dança, e sem coração não se sente.

Pilares - Como a certificação mudou sua vida? Eu era uma bailarina de dança do ventre egípcia que tinha estudado ATS® quando eu tomei a decisão de buscar minha certificação como Sister Studio. Eu estava em Milwaukee, WI, USA com a Jenn Nolan (fundadora do grupo Tamarind) quando estava decidindo ainda se faria ou não. Era muito dinheiro, e naquele ponto da minha vida eu ainda não tinha encontrado a liberdade dentro da estrutura do ATS®. Ela me encorajou a fazer o TT e eu sou eternamente grata. A comunidade do ATS® é receptiva e te dá muito apoio. Eu fiz amigos ao redor do mundo e agora eu estou ensinando e viajando. Virar uma Sister Studio tornou minha jornada na dança mais legítima. Poder compartilhar essa certificação abriu portas no meu negócio e profissionalmente. E o mais importante, me ajudou a encontrar “o meu povo”, pessoas com quem compartilho sentimentos e me conecto a um nível mais profundo.

Comentários: PUTZ!!!! Dizer o que? Êxtase puro!!! Estudar com a idealizadora de um movimento já é muiiiita honra e ser certificada para ensinar sua metodologia deve ter esse caráter de "tou em casa"- essa é minha tribo ...olha a conexão de novo, aí.

Pilares - Eu assisti a tudo o que pude do ATS HomeComing, fizemos entrevistas com a única Sister, brasileira participante do evento e isso me fez querer estar lá, então me registrei para a edição de 2016. Você pode nos contar um pouco sobre a experiência de organizar o primeiro evento totalmente de ATS? Quando comecei a trabalhar com a Carolena, ela tinha acabado de se casar e queria ficar mais em São Francisco. Na época em que eu estava criando nosso plano estratégico para expandir o FCBD® ao mesmo tempo que permiria a ela ficar mais em casa, eu tive um sonho com o ATS® Homecoming. No dia seguinte, liguei pra ela e plantei a ideia. Ela gostou, mas não acreditava que conseguiríamos encontrar um lugar em São Francisco, uma cidade tão cara, pra fazer o evento, nem que alguém iria ou que nós conseguiríamos fazer o evento comigo morando do outro lado do país.

Terri e Lisa - ATS Homecoming 2015

No entanto, se tem algo que a Carolena é, é uma visionária, então começamos! Encontramos um hotel, publicamos o evento e esgotou em 2 dias. Isso com certeza respondeu a pergunta da Carolena sobre alguém querer ir ao evento. Nossa filosofia desde o início era que queríamos que as pessoas tivessem a experiência de visitar a Carolena em casa, com uma sensação de boas-vindas e hospitalidade. Eu me certifiquei que o maravilhoso grupo de voluntárias fosse constituído de pessoas que tratariam todos os participantes como se fossem hóspedes pessoais em suas próprias casas. Nós queríamos que essa conferência fosse a melhor e mais acolhedora experiência.

Ela também queria fornecer aulas extraordinárias. Naquele momento, ela tinha acabado de introduzir o conceito de “movement dialect”, as expressões individuais que evoluem geograficamente de região para região ou de trupe para trupe. Nós convidamos alguns líderes em movement dialect ao redor dos EUA e algumas das instrutoras mais queridas do FCBD® para dar ministrar os workshops.

Eu fiquei doente de nervoso e preocupação na véspera do evento. Eu tive muitos problemas com o hotel antes de chegar a São Francisco. Mas foi só os primeiros convidados começarem a chegar que tudo ficou fabuloso. Foi uma das melhores experiências da minha vida. Eu fiquei tão honrada em ter a oportunidade de ajudar a fazer um evento tão fantástico e vibrante acontecer. Eu fiquei empolgadíssima em conhecer pessoas com quem só tinha interagido pela internet. Eu fiquei encantada pela Carolena ter se divertido tanto e amado tanto o evento.

Pilares - O que podemos esperar da próxima edição do ATS HomeComing? 

Talvez eu esteja mais animada pelo ano que vem do que eu estive este primeiro ano. Mudamos para um novo hotel. Seremos o ÚNICO grupo reservado no hotel utilizando seus salões de conferência, então será realmente uma Vila Tribal! Pedimos aos instrutores para criarem workshops únicos, inovadores e excitantes, e eles criaram! Adicionamos mais expositores, uma grande recepção de abertura com um hafla aberto e uma sessão de posters onde as dançarinas poderão compartilhar todas as coisas empolgantes que estão fazendo ao redor do mundo. Também adicionamos uma sessão mais voltada para os negócios com workshops sobre ética, comunicação e, é claro, o Tribal Counsel com a Carolena.

Comentários: Tou dentroooooooooooo!!!! Tamo junto, eu vou!!!! Iuppppeeeee e o Pilares vai expor o trabalho que desenvolvemos, affffff!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! Bom demais.

Pilares - Este blog começou quando ouvimos que Carolena e Megha estavam vindo pela primeira vez ao Brasil. Nosso projeto foi resgatar o legado da Tribal, começando com Jamila Salimpour. Você acredita que estudar a teoria é tão importante quanto a dançar (realização e formação) para uma formação completa? Sim, com certeza. Eu li literalmente tudo o que consegui encontrar sobre a história, tanto a moderna quanto a ancestral, da dança do ventre. Eu estudei com tantos professores de tantos estilos quanto me foi possível acessar. Eu assisti horas e horas de vídeos. Eu acredito que você só consegue entender completamente a manifestação atual da dança que escolheu explorando o rico legado de sua história. Particularmente para quem for fazer o Teacher Training e tem planos de dar aula, é essencial apresentar o contexto da dança para seus alunos. Eu adoro ser capaz de explicar a evolução de um movimento e a história das tradições de dança que o formaram. Além disso, de um ponto de vista prático, eu acredito que me confere um diferencial no mercado competitivo de ensinar localmente e internacionalmente. Eu estudei e conheço bem a história e a teoria, e como isso influencia na prática atual. Eu sou capaz de explicar de onde vieram os movimentos e como a dança evoluiu.

Pilares - Como você se sente sobre a pressão estética entre os dançarinos, e você se sente essa pressão entre dançarinos de ATS?

Uma das coisas que me atraiu para o ATS® como forma de dança foi a aceitação da beleza em todos os formatos, tamanhos, idades e cores. Na dança do ventre tradicional, para que você obtenha sucesso profissional há um estereótipo de corpo bem específico. No ATS® os figurinos valorizam todos os tamanhos e formatos de bailarinas e a comunidade aceita diversas formas de beleza. Isso é essencial para mim. Na verdade, eu tive uma experiência quando eu ainda fazia algumas apresentações de dança do ventre tradicional na qual um programa de TV beneficente local não queria que minhas dançarinas se apresentassem porque algumas delas eram maiores que o “ideal” de mulher. Uma dançarina local postou a história no Facebook feed e então outras dançarinas começaram a atacar minhas alunas por causa de sua aparência física. Foi uma experiência terrível e dolorosa. Isso foi o momento da virada para que eu deixasse o mundo da dança do ventre e mergulhasse no ATS® completamente. Eu também peguei essa experiência e transformei em algo bonito. Eu escrevi um livro “I Belly Dance Because: The Transformative Power of Dance” (n.t: “Eu danço Dança do Ventre porque: O poder transformador da dança”) para celebrar dançarinos de todos os tamanhos, formas e estilos.

Pilares - Você estuda outros estilos de dança? Como eu disse antes, sim, eu estudei, No entanto, eu quero adicionar um pouco mais aqui. Quando eu comecei a estudar ATS® muitas dançarinas da comunidade diziam que era melhor estudar só o ATS®. Eu discordo frontalmente. Estudar tantos estilos de dança (do ventre ou não) quanto fosse possível acrescentou enormemente à minha experiência enquanto dançarina e intérprete. Recentemente fiz dança de salão com meu parceiro e até isso ajudou na minha dança!

Pilares - Você sente necessidade de estudar o ATS, mesmo sendo uma dançarina experiente? Sim e sempre. Sempre há algo para melhorar, uma nova forma de pensar um movimento. Eu adoro fazer aulas de iniciante com outros instrutores e fingir ser uma aluna nova de novo, ver a postura e os movimentos por um novo ângulo. Eu amo fazer aulas com as instrutoras do FatChanceBellyDance, com certeza, e aproveito cada oportunidade disponível. Porém, eu também sinto que há muito a aprender fazendo aula com gente fora de São Francisco. Cada professor tem uma história diferente pra cantar. Pode ser que eu não tenha nenhum insight absurdo sobre como fazer um taxeem, mas talvez eu aprenda uma nova e ótima forma ilustração que eu poderei usar nas minhas aulas.

Contemplativa? Motivada? Inspirada?

Amanhã tem mais.

Super xeros no pulsante.

Vamo que vamo

Maria Badulaques :)

VERSÃO EM INGLÊS

I'm in the anxiety of the countdown, and you ? As promised today we know more about Terri Alred, Sister Stúdio, creator and host of the ATS Homecoming and that will bring us much knowledge about the 2016 event. Now, if your case is only studying the ATS and want to learn more about this style, this interview is also for you. We split into 3 parts ok , the material just great and I believe that should be tasted !!! Terri begins already saying how you should prepare your lesson , do not miss !!!

"I began dancing when I was old enough to walk, I studied ballet, jazz, modern and dance line. Dance was a huge part of my life until I graduated from college. At that point, there weren’t adult dance classes as readily available as there are now. Twelve years ago I was in an unfortunate accident. I was attending a professional soccer game when a ball hit me in the head going about 60 miles per hour. I was thrown into the stands and suffered from a mild traumatic brain injury. The result of my brain injury was dizziness, balance problems, migraines, neck and back pain and difficulty concentrating. Even the most basic physical therapy was hard for me, so my physical therapist suggested that I try a dance class. She was hoping the music and social interactions would distract me from the discomfort and dizziness of moving my head and eyes around. I found a belly dance class at a local community center that was close to my house. At first, I could only dance for about 5-10 minutes before I would have to sit down in the back of the room, but I continued trying. Eventually I was able to make it for a full hour and then for multiple classes.

I wasn’t able to work still because of limitations in functioning from my head injury, so instead, I immersed myself into belly dance. I studied all forms that I could find including Egyptian, Turkish, Lebanese, Persian, Folkloric, Tribal Fusion and American Tribal Style®. I also studied Polynesian, Hula, Indian and Bollywood. Ultimately, after dancing professionally as an Egyptian cabaret dancer, I decided to move exclusively to American Tribal Style®. I love the costuming, improvisational nature and community.

I opened my own dance studio in Rochester, MN, USA about 6 years ago where I teach and perform. Almost two years ago, I began working at FatChanceBellyDance, Inc. as a business consultant for Carolena Nericcio-Bohlman. In that capacity, I have helped create and implement the new programs for Sister Studios including the Sister Studio Continuing Education and Advanced Teacher Training. I also created and had the pleasure of hosting ATS® Homecoming. In addition to consulting on dance and business related projects, I am also helping to launch the new ATS® Magazine that will be published this May." (Terri)

We're just a few days away from Carolena and Megha's arrival to Brazil, excitement takes over and so does the sense of responsibility. 43 dancers are taking TT and applying for the Sister Studio status afterwards. What would you tell these dancers? Any piece of advice? Teacher Training is such a unique opportunity. How often does a dancer get to study with the founder and creative designer of an entire dance movement? In order to get the most from your experience, I suggest studying the ATS® movements in advance. You will be able to get the most from your experience if you are refining movements that you already know rather than trying to learn new movements. Since each participant will be teaching several movements to others, I also suggest practicing teaching to dance friends if you haven’t ever taught before. Carolena and Megha will ask you to follow a specific format for teaching and it helps if you have rehearsed it so that you will be more relaxed. Prior to taking my TT, I got together with a group of women and we practiced teaching and learning from each other. Just a hint, the format is:

1. Demonstrate the move (from front and back if you don’t have a mirror)

2. Describe how to do the move beginning with what the feet do, then moving to the body, arms and head.

3. Lead a drill of the move.

4. Ask the class to continue to drill the move (and move around providing corrections and feedback)

Easy!

ATS changed my life. From the first time I saw the formations, the costumes, the fact that there's not only one star but a constellation of dancers, that's what defined my love for this dance form. What do you think that matters the most in this dance: learning technique or dancing from the heart only, disregarding technique? That is such a great question. Technique is the foundation, but passion makes the dance come alive. You need the base technique in order to be a dancer, but passion creates a performer.

How has the Sister Studio certification changed your life? I was an Egyptian cabaret dancer who studied ATS® when I made the decision to seek my Sister Studio certification. I was in Milwaukee, WI, USA with Jenn Nolan (founder of Tamarind) when I was deciding whether to do it or not. It was a lot of money, and at that point I hadn’t found the freedom within the structure of ATS® yet. She encouraged me to take the training and I have been forever grateful to her. The ATS® community is welcoming and supportive. I have made friends all around the world and am now teaching and traveling.

Becoming a Sister Studio made my dance journey more legitimate. Being able to share that certification has opened doors in my business and professionally. Most importantly, it helped me to find “my people” with whom I resonate and connect at a deep level.

I've watched all I could from ATS HomeComing, we interviewed the only Brazilian sister studio to attend the event and it made me eager to be there, so I've already registered for the 2016 edition. Can you tell us a little bit about the experience of organizing the first all-ATS event?

When I began working with Carolena, she had recently gotten married and wanted to be in San Francisco more.  As I was creating our strategic plan to grow FCBD® while still enabling her to be home more, I had a dream about ATS® Homecoming.  The next day I called her and pitched the idea.  She liked it but was skeptical about whether we could find a place in the very expensive San Francisco to host such an event, whether anyone would come and whether we could pull it off with me living across the country.  

However, Carolena is nothing if not a visionary, so we began!  We found a hotel, publicized the event and sold out in 2 days.  That certainly answered Carolena’s question about whether anyone would want to come.  Our philosophy from the beginning was that we wanted people to have the experience of visiting Carolena at home, with a welcoming hospitality.  I made sure that the wonderful team of volunteers were people who would treat all of the attendees as if they were personal guests in their own home.  We wanted the experience to be the absolute best and most welcoming conference experience ever.

She also wanted to provide extraordinary dance education. At that point, she had just introduced the concept of “movement dialect” the unique expressions that evolve geographically from region to region or troupe to troupe. We invited some leaders in movement dialect from around the US along with the favorite FCBD® instructors to provide the workshops.

I was sick with nerves and worry prior to the event starting. I had many problems with the hotel prior to arriving in San Francisco.  However, as soon as the first guests began arriving, everything was fabulous.  It was one of the best experiences of my life.  I was so honored to have had the opportunity to help bring such an amazing and vibrant event together.  I was thrilled to meet folks I had only interacted with on line.  I was delighted that Carolena has so
much fun and loved it so much.

What can we expect from the next edition of ATS HomeComing? I may be even more excited about next year than I was about the first year. We have moved to a new hotel. We will be the ONLY group booked into that hotel utilizing their conference spaces so it will truly be a Tribal Village! We asked the instructors to create workshops that were unique, innovative and exciting, and they did! We have added more vending, a large opening reception with an open dance hafla and a poster session where dancers will be able to share all of the exciting things that they are doing around the world. We have also added a business track with workshops on ethics, communication and of course, Tribal Counsel with Carolena.

This blog started when we first heard Carolena and Megha were coming to Brasil. Our project was to rescue the legacy of tribal bellydance, starting with Jamila Salimpour. Do you believe that studying theory is as important as dancing (performing and training)for a thorough formation?

Yes, absolutely. I have read literally everything I could get my hands on regarding the history, both modern and ancient, of belly dance. I have studied with as many teachers representing as many styles as I could possibly access. I have watched hours of video. I believe that you can only fully understand the current manifestation of our dance by exploring the rich legacy of our history. Particularly for those who are taking TT and planning on teaching, it is essential to provide the context of the dance to your students. I love being able to explain the evolution of a movement and the history of the dance traditions that informed it. In addition, from a practical standpoint, I believe it gives me an edge in the competitive market of instructing locally and internationally. I know my history and theory and how it informs current practice. I can explain where movements came from and how the dance has evolved.

How do you feel about the aesthetic pressure among dancers, and do you feel this pressure among ATS dancers? (Please let me know if I misunderstood this question, I am happy to re-write an answer if I have!)

One of the things that attracted me to ATS® as a dance form was the acceptance of beauty in all shapes, sizes, ages and colors. In cabaret dance, there is a very stereotypical body shape that can be successful professionally. In ATS® the costumes are flattering to all sizes and shapes of dancers and the community is accepting of many forms of beauty. That is essential to me. I actually had an experience when I was still doing some cabaret dance where a local TV charity telethon didn’t want my dancers to perform because there were dancers who were larger that the “ideal” woman. A local dancer shared the story on a Facebook feed and then other dancers began to slam my students because of their physical appearance. It was a painful and horrible experience. That was really the turning point for me to leave the cabaret world and immerse myself into ATS® completely. I also took the experience and made something beautiful out of it. I wrote a book, “I Belly Dance Because: The Transformative Power of Dance” to celebrate dancers of all sizes, shapes and styles.

Do you study other dance forms? Yes, as I said before, I have. However, I do want to add a bit more here. When I first started studying ATS® there was a pretty large contingency of dancers within the community that suggested that it was better to only study ATS®. I strongly disagree. My experience as a dancer and performer has been greatly enhanced by studying as many styles of dance and belly dance as was possible. I recently took ballroom dance with my partner and that has even helped in my belly dance!

Do you still feel de need to study ATS and take classes even though you're such an experienced dancer? Yes and always. There is always something to improve, always a new way to think about a movement. I love taking beginning classes from other instructors and pretending to be a new student again, looking at the posture and movements from a new angle. I love taking classes from the FatChanceBellyDance instructors for sure and do at every available opportunity. However, I also feel there is a lot to learn form taking classes from folks who are outside of San Francisco. Each teacher has a unique story to tell. Maybe I don’t learn any new earth shattering insights on how to do a taxeem, but maybe I will learn a great new illustration to use while I am teaching.

Contemplative? Motivated? Inspired?

Tomorrow has more

Kisses on the heart

Maria Badulaques

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